L'ENVERS DU TABLEAU

Le revers du tableau a même été, parfois, le sujet de trompe l'oeil un peu spéciaux, comme cette huile sur toile de Cornelisz Norbertus Gijbrechts, de 1670, exposée à Amsterdam.

J’avoue qu’il m’arrive souvent de me glisser sur le côté d’un tableau, surtout quand il s’agit d’un panneau de bois ancien, pour tenter d’en voir l’envers, le verso. Car les panneaux sont souvent parquetés et ce travail de restauration tout en finesse et en délicatesse, est absolument fascinant. Pour autant, ma curiosité est rarement satisfaite et, le nez coincé entre le cadre et le mur, j’en suis en général pour mes frais. C’est ainsi que l’autre jour, ayant trainé nos guêtres au Salon "Paris Tableau", j’ai été ravie d’y découvrir une exposition intitulée « L’envers du tableau ».

Cette exposition, proposée par les organisateurs de ce somptueux salon où l’on croisait autant de chefs d’œuvre que dans un musée*, à ce détail près qu’elles étaient à vendre, présentait une petite sélection de tableaux anciens illustrant des intérieurs d’atelier, où les toiles posées contre un mur sont légion. Ma photo est inspirée de peintures sur ce thème,  trouvées sur le net,  car je n'ai pas osé utiliser mon appareil dans le cadre de Paris Tableau.

Puis, dans des vitrines, des fragments de toiles, des carnets d’échantillons, des catalogues, des marques de fabrique de toile, de couleurs, des tampons de restaurateurs, des châssis nus, des outils d’encadrement... bref tout une « matériauthèque » idéale des produits utilisés à l’envers du décor ! Quelques panneaux didactiques nous renseignaient sur le format des supports, les brevets et procédés, les inscriptions commerciales, manuscrites voire peintes que l’on trouve au revers des toiles.

Enfin quelques peintures exposées à l’envers sur des chevalets au centre de la salle permettaient de rêver aux itinérances des œuvres : on y voit la matière, toile, carton, bois, métal, on découvre parfois trace des blessures, déchirures, réparations qui ont scandé la vie de la toile, mais aussi le châssis et surtout la vie secrète du tableau. Les étiquettes des collections auxquelles il a appartenu, des galeries qui l’ont eu en vente, des expositions auxquelles il a pris part, des transporteurs qui l’ont pris en charge côtoient parfois le titre du tableau, pourquoi pas de la main de l’artiste, voire sa signature, une date, des remarques, l’identification du lieu ou du modèle, une dédicace… Tout une source d’informations « vivantes » qui racontent l’histoire du tableau depuis sa création, un univers mystérieux dont on a envie de décrypter les indices, pour mieux comprendre les traces laissées par le temps.

Bien qu’il ne soit pas toujours destiné à être vu, le dos d’une oeuvre peut devenir un terrain d’expression inattendu (messages dissimulés, esquisses, décors, armoiries…). Les revers des volets de polyptiques ont ainsi accueilli les premiers exemples de natures mortes dans l’histoire de la peinture, ou des grisailles qui complétaient le message iconographique de l’endroit.

Et voilà que, le lendemain de cette découverte amusante, nous avons eu l’occasion d’aller admirer au Louvre l’exceptionnel tableau de Daniele da Volterra, qui a retrouvé sa place dans la Grande Galerie après un séjour de 68 ans au château de Fontainebleau, cherche à concurrencer la sculpture en représentant recto verso les deux faces d’une même scène : le combat de David et Goliath. L’œuvre est présentée comme le dernier tableau de Louis XIV car elle a été offerte au souverain un mois à peine avant sa mort. Le décès du roi participa sans doute à son relatif oubli car il faut attendre son retour au Louvre pour qu’elle soit réellement étudiée. Pourtant c’est une œuvre de première importance.

Commandité à Daniele da Volterra par Giovanni delle Casa, ecclésiastique, érudit, poète et surtout passionné par les arts (il projetait selon Vasari d’écrire un traité sur la peinture), le panneau est réalisé sur ardoise, matériau peu courant et coûteux, dont l’utilisation n’est pas fortuite. Outre le fait qu’il permet à Daniele da Volterra de réaliser un véritable tour de force technique, étant donné la taille de l’œuvre, il représente un support réputé éternel, en tout cas nettement plus durable que la toile ou même le bois. Mais surtout l’ardoise est un pierre, mais une pierre qui se refuse au ciseau du sculpteur. Or l’œuvre a pour ambition manifeste de venir soutenir la délicate dispute théorique du Paragone. Le mot qui signifie "comparaison" recouvre un débat, fort prisé à la Renaissance, sur le point de savoir quel art était supérieur aux autres, entre la peinture, la sculpture et l’architecture. Léonard de Vinci lui consacra la première partie de son Traité de peinture, écrit vers 1509 et depuis les arguments allaient bon train : la peinture avait pour principale atout la couleur, mais la sculpture permettait de traduire les différentes facettes d’une forme dans l’espace.

Peint recto-verso pour décrire les deux aspects du combat de David et de Goliath, l’œuvre de Daniele da Volterra participe clairement de cette querelle et, grâce à l’artifice de la double face, prétend  le faire emporter définitivement à la peinture. D’autant, nous l’avons dit, que le support en est l’ardoise, que le commanditaire demanda au peintre de réaliser d’abord un modèle en terre cuite de la scène et, argument suprême, que l’œuvre ajoute à la représentation du « volume » celle du temps ! En effet, les deux scènes ne sont pas strictement identiques, ne différant pas que par le côté par lequel on les voit. L’action est décalée de quelques secondes entre l’avant et l’arrière et lorsqu’on contourne le tableau, on voit subtilement évoluer le récit, ayant presque l’impression d’une peinture en mouvement. Le socle permettait d’ailleurs de faire tourner la peinture et s’il n’est pas d’origine, on peut imaginer sans excès qu’il en était déjà ainsi lors de la création de l’œuvre. La couleur, le volume et le mouvement, ici la peinture l’emporte et aux yeux de ceux qui ont réalisé ce chef d’œuvre, peintre et commanditaire, la querelle du Paragone est résolue !

 La peinture de Paris Tableau ressemblait à s'y méprendre à l'autoportrait du musée de Lancut en Pologne

*J’y ai découvert en particulier, une petite peinture de Sofonisba Anguissola, un charmant autoportrait en train de peindre une madonne, délicate vignette, tableau dans la toile, dont j’ai demandé le prix… histoire de perdre le souffle en apprenant que cette toile, d’environ  25 cm par 15 coûtait la modique somme de 225 000€. On n’imagine pas les fortunes que renferment, pour notre plus grand plaisir, les musées !!