LE CHEF JARDINIER* : à propos d'ATYS à Bordeaux

 

Les engouements du public pour ce que la presse et les médias déclarent « événement incontournable » restent pour moi un mystère. Arriver à captiver une salle entière pendant près de 4h sur des récitatifs un peu pesants, une histoire carrément indigente et quelques rares airs assez peu virtuoses, cela a un côté surprenant qui me laisse aussi pantoise que les grandes foules qui se pressent devant des toiles parfois malhabiles ou des sculptures ratées au motif qu’il « faut en avoir été ». Cela a du bon car ces frénésies collectives permettent des débauches de moyens et produisent, toujours, des manifestations d’une qualité que la confidentialité n’aurait pas permis. Mais le côté « standing ovation » est toujours un peu ridicule. Il faut s’extraire des picotements mentaux que cela entraine et ne pas sombrer dans l’anti-snobisme primaire !

Atys de Lully, recréé avec maestria par le tandem Christie-Villégier est de ces événements qu’on aurait regret de rater. D’autant que tout concourt à en faire un moment mythique. Le spectacle, créé en 1986 au Teatro Metastasio de Prato, à une époque où les baroqueux, leurs petites voix et leurs instruments désaccordés, n’avaient pas le vente en poupe, a été repris à de multiples reprises, dont à Paris et Versailles, drainant un nombre incroyable de spectateurs enthousiasmés par ce retour aux costumes d’époques et aux perruques poudrées. L’esprit Grand Siècle fascine avec toujours autant de constance les enfants de la Révolution Française. Enregistré, diffusé, loué, il est entré dans la légende.

Sa reprise, 25 ans après, est elle-même de l’ordre du fabuleux : c’est en 1987 à Versailles que Ronald P.Stanton, américain fortuné dirigeant une grande entreprise internationale,  vit l’opéra de Lully pour la première fois. Enthousiasmé par le spectacle, il a souhaité il y a environ 3 ans rencontrer William Christie et lui a confié son souhait de « revoir Atys avant sa mort ». La formule a fait mouche, c’est évocateur ce « sentant sa fin venir » vague remake de La Fontaine ! Assez fortuné pour assumer le coût de la production il a créé ainsi, avec une candeur sans doute sincère, le buzz du petit landerneau des amateurs de musique classique. Voire des autres car, dans ces cas-là, on se pousse même si Chopin vous endort et que Bartok vous donne des boutons.

Pourtant, tout mélomanes que nous soyons, il faut bien avouer que la partition est austère et qu’on a du mal à ne pas étouffer quelques bâillements. En effet, comme le disait avec discrétion mais franchise un charmant monsieur qui avait atteint l’âge où l’on peut s’offrir le luxe d’être sincère sans pour autant passer pour un sauvage « C’est magnifique mais qu’est-ce que c’est ch… ».

Un spectacle total, musique certes, mais aussi danse, la chorégraphie était superbe et enfin théâtre car l’intrigue, toute désuète qu’elle soit, importe beaucoup dans l’affaire. A preuve, l’ennui provoqué par le prologue disparait peu à peu dès lors qu’on est rentré dans le sujet. Et, d’un spectacle mondain auquel il est de bon ton d’avoir assisté, même si l’on s’y est rasé ferme, et qu’on  l’a applaudi d’autant plus fort qu’on avait besoin de se secouer à la fin, l’intelligence de la mise en scène, l’intégration réussie de la danse, l’excellence de l’esthétique et une collection de costumes à faire pâlir d’envie un musée de la mode, sont autant d’atouts pour faire de cette production un spectacle captivant.

Après un prologue aux teintes douces et pastelles, le rideau de fond de scène s’abat brutalement au sol et les 6 décors voulus par Quinault sont résumés avec une grande efficacité par Villégier en un seul : un vestibule de tragédie,  marbre sombre et veiné de taches de Rorschach, animé par quelques changements de mobilier : trône, banquettes, torchères, consoles... Villégier a choisi de reproduire les fastueux mobiliers d’argent des Grands Appartements, donc en 1689 pour financer la guerre de la ligue d’Augsburg. Cela donne l’impression d’être conviés à quelque soirée royale, et même s’il sait que ces reconstitutions sont pour partie inventées, le public adore être reçu à la Cour. 

La musique, quant à elle, est écrite dans un style austère : beaucoup de récitatifs, peu de moments où l’orchestre soit entièrement mobilisé. Et si les chœurs viennent parfois réveiller le chef et nos sens engourdis, l’absence de modulations séduisantes ou d’arias brillants rend l’ensemble très sobre. D’autant plus frugal que l’œuvre est sombre et baigne dans une atmosphère nocturne qui n’est pas due seulement à la longue scène du sommeil !

Sur l’interprétation de William Christie, on ne peut que saluer le travail, réalisé en amont, il y a de cela 25 ans pour retrouver la partition, recréer le continuo, reconstituer l’orchestre de Lully et ainsi, faire revivre Atys. Travail aussi, qui dure depuis cette époque sur la musicalité de la langue, le respect de la prononciation et la clarté de la diction, données qui semblent évidentes aux jeunes mélomanes mais qui n’étaient pas acquises en ce temps-là. Le plus improbable salmigondis de sons suffisait à enthousiasmer le public pour peu qu’il fut puissant et virtuose ! On exige aujourd’hui de comprendre les chanteurs, et nous avons pu suivre l’intrigue compliquée à peu près sans effort. Que l’on songe : ce changement, impulsé par Christie et qui s’appliqua en premier lieu dans le petit monde original des baroqueux, est maintenant de mise dans tous les spectacles lyriques. A tel point que le nouveau prix Régine Crespin (Long Thibaud) prévoit, pour les concurrents qui auront choisi des œuvres françaises, un prix spécial de diction et de prononciation, initiative qui me semble une évolution remarquable et qui relègue au magasin des accessoires poussièreux les chanteurs 

Certes, toute aficionada de Christie que je sois, je dois bien avouer que la petitesse des voix m’a laissée un peu sur ma faim. En fait, Christie est un passeur, un jardinier (oui GF) qui cultive les talents dès lors qu’ils sont élégants, qui transmet et partage. C’est là sa vertu principale : il sacrifie le brillant à la passion et il a raison. Ça paye aussi sur le long terme : avec lui, combien de choristes sont devenus solistes ou d’instrumentistes chefs d’orchestre. N’est-ce pas finalement le plus important, cette mission de transmission ? La direction était fluide, comme toujours avec Christie, les sons pleins et amples, et si certains lui reprochent son manque de prégnance sur l’ensemble, cela tient à sa conception de la création musicale. Son continuo est maitre à bord, et des années de travail au coude à coude avec Brian Feehan expliquent cette collaboration constructive. Il laisse les solistes bâtir leur personnage en fonction de leur personnalité et il invite sa jeune promotion du « Jardin des Voix » à interpréter le prologue. Il dirige les chœurs d’une baguette ferme et précise qui, à Bordeaux, leur a donné un éclat particulier. On peut ensuite critiquer sa direction, la trouver molle ou pas assez autoritaire…Ce qui importe plus que tout, me semble-t-il, est sa conception de la musique, son respect de la partition, son inventivité sur les vides, nombreux, de cette dernière, et l’étroite symbiose qu’il permet entre tous les acteurs du spectacle et l’œuvre musicale.

C'était à Bordeaux, après Paris et Caen... il vous reste deux concerts possibles : à Versailles les 15 et 17 juillet, s'il reste des places...

* Petit clin d'oeil à GF, à propos de son commentaire à l'article sur le jardin de William Christie